Overlook

L'Amico Ritrovato

2008-10-20T14:27:00.004+01:00

di Fred Uhlman

Ambientato nella Stoccarda degli anni ’30, poco prima della salita al potere di Hitler, il breve romanzo narra dell’amicizia che va a instaurarsi tra i due sedicenni Hans, figlio di un medico ebreo, e Konradin, rampollo di famiglia aristocratica, tra le più importanti di Svevia. L’amicizia che lega i due andrà affievolendosi con la presa di piede del Nazismo tra il popolo tedesco, fino ad essere troncata dalla partenza di Hans per gli Stati Uniti.

“Capolavoro minore”. Così, nell’introduzione, Arthur Koestler si riferisce a questo romanzo breve (o racconto lungo, che dir si voglia). Ora, il signor Koestler deve avere una strana idea del significato della parola “Capolavoro”.

Narrato in prima persona, in un lungo flashback, dal diretto protagonista (l’ebreo Hans Schwarz), L’Amico Ritrovato altro non è che un racconto per bambini, maldestro tentativo di scrivere una storia d’amicizia che vorrebbe essere epica, ma a cui manca perfino il tempo di evolversi in qualcosa di lontanamente poetico (l’epica è prima di tutto poesia, e un’”epica” storia di amicizia tale dovrebbe essere), lasciando così lo scrittore a ueueare nell’ormai non tanto sano patetismo adolescenziale che tutti prima o poi dovrebbero superare, nella totale incapacità di donare alla sua creatura un pathos sentito e sincero.

Non vorrei essere frainteso: la scrittura di Uhlman è piacevole e scorrevole, anche se popolare e non eccelsa, sebbene certo superiore a molti romanzucoli in giro quest’oggi, ma il racconto si riduce a una lettura di un’oretta e mezza (alla lunga) che passa via dalla mente così come il tempo dall’orologio, quando l’idea dell’autore era una (in)diretta critica al Nazismo sotto forma di amicizia spezzata, che dovesse prendere e commuovere il lettore. Come ho già avuto modo di accennare, la cosa non funziona, e benché in alcuni punti si raggiunga una buona credibilità e un’interessante costruzione dei personaggi, nonché un abbozzato lirismo, il tutto si perde nel tipico vittimismo che il popolo Ebraico ha fatto proprio dalla ricostruzione di Israele sulle teste dei poveri palestinesi (vi è addirittura un punto, nel romanzo, in cui il protagonista, ormai adulto, fa menzione quasi con orgoglio di aver aiutato a ricostruire Israele: qual è quindi la tanto decantata differenza tra lui, il suo popolo, e i nazisti? Che l’ingiustizia da parte sua è semplicemente indiretta?).

Infarcendo il tutto di buoni sentimenti, Uhlman riesce a far colpo su gran parte del pubblico mascherando la carenza di idee (e ideali) che contraddistingue questa sua opera, leggera e comunque leggibile, ma altrettanto facilmente dimenticabile.

Sopravvalutato.

Protesta e Rivoluzione

2008-10-14T21:26:00.006+01:00

Premessa: questo articolo non vuole, in alcun modo, essere svalutazione dell'importanza della Protesta Studentesca, ma, al contrario, vorrebbe incitare a una più matura e seria visione, da parte dello studente italiano medio (la comune "testa di cazzo"), di tale Protesta, dei modi per attuarla, dei mezzi da utilizzare per poterlo fare correttamente e possibilmente, alfine, ottenere qualcosa di concreto.

Se vi sentite offesi da quanto scritto in questo post, vi prego di togliervi dai coglioni e andarvi a cercare un sano e onesto lavoro come prostitute o spacciatori di crack da discoteca.

L’articolo si riferisce al corteo studentesco avvenuto il giorno 10 Ottobre 2008, per le strade di Agropoli (SA).

Un noto cantante contemporaneo, nella canzone di apertura del suo ultimo album, si chiede: “quanti credono nel Sessantotto? e quanti vedono del Sesso in tutto?”; personalmente, io credo nel Sessantotto, e vedo anche del Sesso in tutto (checché se ne dica, è intorno a quello che il mondo ruota e continuerà a ruotare fino all’estinzione di ogni forma di vita, “è come noi tutti siamo arrivati qui, ed è l’attività preferita della maggior parte delle persone”), poiché la radice del problema è in realtà nel fatto che l’idea stessa di “Protesta Studentesca” è andata, col tempo e soprattutto con l’avvento della nuova, superficiale generazione ultralaccata, con occhiali da sole grossi come ombrelloni e vestita rigorosamente di rosa confetto, deteriorandosi sempre più: dai lunghi cortei sessantottini, ove il coro era un’urlata sottolineatura della volontà dello Studente di vedere riconosciuti i propri diritti, si è passati al corteo del 2000, ove il coro è diventato uno scimmiesco urlo di idiozia al mondo, a sua volta sottolineato da una cacofonia pseudo-musicale al ritmo della quale i cosiddetti studenti, che hanno ora riscoperto la loro natura di primati primordiali, si divertono a muoversi come in preda a forti convulsioni, ripetendo, qualora venisse loro chiesto, qualunque cosa la scimmia-capo, che normalmente si trova sul carro che precede il tutto, a mo’ di Carnevale, voglia loro ripetano, nelle parole o nei gesti, magari con tanto di osso lanciato in aria (ma non ci saranno astronavi, né l’Also Sprach Zarathustra di Strauss in sottofondo).

La scimmia-studente, quindi, si diverte seguendo il corteo, balla e canta, corre e salta, e non sa per quale motivo stia facendo ciò che sta facendo. Tanto, alla fine, basta non si vada a scuola, no? Il fatto che la Gelmini stia pian piano distruggendo la Scuola Pubblica è, per la scimmia-studente, del tutto irrilevante. Il fatto che i fondi per la Scuola subiscano un taglio di otto miliardi di euro, quando i nostri politici hanno stipendi da far sembrare lo stile di vita di D’Annunzio quello di un barbone, non interessa alla scimmia-studente. La scimmia-studente non si cura della reintroduzione del voto in condotta come elemento fondamentale nel decidere la promozione o la bocciatura dello studente, indipendentemente dal suo rendimento scolastico, non si cura dei programmi scolastici arretrati, non si cura dell’abbassamento dell’età dell’obbligo scolastico, del maestro unico alle elementari, della privatizzazione delle Università, che presto vorrà estendersi anche alle altre scuole, la scimmia-studente non si cura di niente all’infuori del “far casino”, divertirsi in momenti che di divertente hanno ben poco, “cafoneggiare” in ogni maniera lecita o illecita per la legge umana e divina (qualora ve ne fosse una).

La scimmia-studente merita quello che sta succedendo alla sua Scuola.

“La rivoluzione non è un pranzo di gala, non è una festa letteraria, non è un disegno o un ricamo, non si può fare con tanta eleganza, con tanta serenità e delicatezza, con tanta grazia e cortesia. La rivoluzione è un atto di violenza.”

(Mao Tse-Tung)

Doomsday

2008-09-01T18:29:00.008+01:00

Titolo originale: Doomsday

Regia: Neil Marshall

Uscita: 2008

Attori: Rhona Mitra, Bob Hoskins, Craig Conway, Lee-Anne Liebenberg, Malcolm McDowell, Alexander Sidding

Durata: 105’/113’ (uncut version)

Nazione: UK

Censura: vm14

Dopo lo scoppio di una letale epidemia (“Reaper” viene battezzato il virus che ne è all’origine), il governo inglese fa ergere intorno all’intera Scozia un invalicabile muro di acciaio, abbandonando tutta la popolazione al suo atroce destino.

Trent’anni dopo un nuovo focolaio del virus comincia a dilagare a Londra, e il governo decide pertanto di inviare, alla luce della scoperta di alcuni sopravvissuti in Scozia, una speciale task force, guidata dal maggiore Eden Sinclair (una splendida Rhona Mitra), col compito di trovare la cura nel giro di 48 ore. Quello che troveranno oltre il muro, sarà guerra e caos.

Premessa: questa recensione potrebbe essere poco obiettiva, per svariati motivi che adesso elencherò: a) Mi sono innamorato di Rhona Mitra in questo film. b) Marshall adora Carpenter forse addirittura allo stesso modo in cui lo adoro io. c) Questo genere di film, con tanto sangue e citazioni, anche se con una sceneggiatura non eccessivamente curata ma sorretta da una regia solida e brillante, mi piace quasi sempre, a patto che non cerchi di prendersi troppo sul serio. E questo film non lo fa. Affatto. d) Mi sono innamorato di Rhona Mitra in questo film.

Dopo il promettente inizio di Dog Soldiers e il meraviglioso The Descent (uno dei migliori horror dell’ultima decade), film che lo ha consacrato cineasta di classe e dalle grandi promesse, Neil Marshall decide di cambiare momentaneamente registro e (so che questa metafora è stata stra-abusata, ma rende bene) scrivere un’appassionata, violenta, delirante lettera d’amore al cinema post-apocalitto degli anni ’70 e ’80, con particolare riferimento a John Carpenter (regista, tra gli altri, di Escape From New York ed Escape From L.A., i due film che vedono protagonista il celeberrimo antieroe Snake Plissken, interpretato da Kurt Russell) e George Miller (regista della trilogia di Mad Max), in onore dei quali ha anche battezzato due personaggi del film. E fa, nuovamente, centro.

Ultracitazionista (c’è di tutto, dai sopraccitati Escape From New York e Mad Max a The Warriors e a Shining di Kubrick), veloce come un pezzo Thrash Metal, violento e cattivo, Doomsday non è un film dalla storia ricercata, non ha una sceneggiatura solida che lo faccia stare ben saldo in piedi, ma è un’accozzaglia di scene culto, attaccate da un semplice pretesto e senza alcun desiderio di continuità, girate magistralmente da un Marshall visivamente sempre più raffinato, condita da una generosa dose di humour inglese e senza alcuna pretesa di esser preso o prendersi sul serio (cosa che mancava, ad esempio, al Tarantino di Death Proof). Molti dei personaggi sono solo abbozzati, poco più che comparse per far andare avanti la storia, scelta voluta, oltretutto per permettere alla bellissima (e mai così cazzuta) Rhona Mitra, nei panni del maggiore Eden Sinclair, praticamente una controparte al femminile di Snake Plissken (Marshall è, a quanto pare, un sostenitore del girl power, o, più semplicemente, gli piacciono dannatamente le donne forti, belle e incazzate), di emergere insieme ai due villain, Sol (Craig Conway), punk post-apocalittico e cannibale, che governa parte del territorio infetto comportandosi da rock star, e Kaine (un Malcolm McDowell capace di donare classe anche a un personaggio così stereotipato), ex-medico che lavorava sul virus che ha invece stabilito un regime tirannico di modello medioevale.

Le scene cult, come dicevo, si sprecano, essendo in sostanza ciò su cui si basa l’intera pellicola: oltre un classico incipit da post-apocalittico, con la gente disperata che tenta di sfondare le barricate dell’esercito, si ha un’esecuzione a mo’ di concerto tra i punk cannibali del folle Sol, una fuga più combattimento tra donne a suon di spade, un duello medioevale e, saltando agli ultimi minuti della pellicola, una delirante corsa in macchina (e non chiedetemi, né chiedetevi, che senso abbia quella fottutissima macchina) con esercito di punk alle calcagna che fa impallidire tutti gli inseguimenti automobilistici visti al cinema negli ultimi anni per inventiva e follia.

Ora, molti di voi si staranno chiedendo cosa, a parte Rhona Mitra (sono ripetitivo, eh?) ci sia di bello in questo film… la risposta è semplice: per citare, in maniera inversa, il ragionier Fantozzi “Doomsday è una figata pazzesca”. Più di un’ora e mezza che vola come un razzo, adrenalina a mille, splatter in abbondanza (aspettiamo la versione Unrated per goderne ancor di più), una colonna sonora strepitosa che alterna pezzi rock a musiche epiche e più ricercate, senza dimenticare le musiche di atmosfera che Tyler Bates tanto bene riesce a rendere, il tutto girato con passione da un regista che nuovamente dimostra, anche se in maniera diversa rispetto alle sue precedenti pellicole, di avere davvero tanto, tanto talento, riuscendo a mescolare con destrezza un calderone dei generi più disparati senza mai scadere nel ridicolo, grazie al suo humour e alla volontà di non prendersi mai davvero sul serio. Naturalmente non si tratta certo di un film per tutti i palati, non potete entrare in sala pretendendo una grande sceneggiatura e originalità (cosa ancora non è stato detto in questo genere?), benché col suo tocco sapiente e ironico Marshall sia stato capace di rivisitare in maniera del tutto personale i suoi miti (non voglio spingermi certo a definire Doomsday un film “originale”), e qualcuno prima o poi dovrà spiegarmi perché quando queste operazioni le fa un Tarantino tutti gridano al Capolavoro, mentre se ci prova uno Zombie o un Marshall allora si tratta di minestra riscaldata.

In sostanza, attivate la modalità “sospensione dell’incredulità”, mettetevi comodi e preparatevi a godere e ridere di gusto di fronte a questa follia registica, a questa sentita e personale dichiarazione d’amore a un genere che ormai non può più con facilità essere diversamente preso.

P.S. Ci terrei ad aggiungere che, se non si fosse ancora capito, Rhona Mitra è ufficialmente diventata il mio sogno erotico (non mi era mai capitato di guardare le spalle di una donna con tale insistenza quale in questo film). Dannato Marshall, un’unica inquadratura ravvicinata del suo culo, poteva sprecarsi un po’ di più.

Red Son

2007-05-15T18:07:00.000+01:00

Superman: Red Son di Mark Millar e Dave Johnson

Mi accingo ora a parlare di un fumetto inedito in Italia, facente parte degli “Elseworlds” della DC, “Mondi Alternativi” in cui alcuni dei supereroi più conosciuti della casa statunitense si trovano in ambienti cui prima erano del tutto estranei. Caso più eclatante è proprio questo Red Son, scritto da quel buon vecchio bastardo scozzese di Mark Millar, uno dei più importanti autori di fumetti degli ultimi tempi, successore di Warren Ellis su Authority, nonché uno dei principali co-creatori dell’universo Ultimate della Marvel, ha scritto tra l’altro il controverso e bellissimo Wanted (per cui è in cantiere anche un film) e un magnifico ciclo di Wolverine, per le matite di John Romita Jr.; ah, e non dimentichiamoci che è a lui che la Marvel ha affidato la miniserie Civil War…

Torniamo a Red Son:
Cosa sarebbe accaduto se la navicella contenente Kal-El fosse atterrata non a Smallville, in Kansas, ma nella cara vecchia Unione Sovietica, Ucraina per la precisione, ai tempi del buon compagno Stalin, ed educato secondo i sacri principi del Comunismo?
E’ questa la domanda che si pone Millar, evitando dapprincipio di finire in facili soluzioni narrativo/stilistiche, creando un fumetto elettrizzante, nuovo e sconvolgente.
Tratteggiando un Superman complesso, pieno di quesiti e problemi, Millar prende immediatamente le distanze da un modo facile di fare intrattenimento; uno scrittorucolo mediocre, magari americano, avrebbe reso questa storia come il classico “capitalisti buoni, comunisti cattivi”, con Superman convertito magari alla fine all’ideale americano… beh, sarebbe stato una vera schifezza.
Fortunatamente Millar non è americano, e soprattutto è dotato di un bel paio di palle, e di scrivere schifezze non gli passa manco lontanamente per il cervelletto: ecco quindi che la situazione si fa più complicata e la critica sociale, a entrambe le parti in causa, decisamente aspra, con degli Stati Uniti inetti e incapaci a fronteggiare l’inaspettato e un Superman che, divenuto leader dell’URSS, poco a poco si trasforma in una sorta di Orwelliano Grande Fratello (con tanto di manifesti e lobotomia)…

Non solo Superman, ma un po’ tutto l’universo DC viene stravolto da Millar, con Lois Lane moglie di Lex Luthor, un Batman russo e terrorista che lotta contro il regime totalitario dell’Uomo d’Acciaio (in quanto il primo uomo d’acciaio aveva fatto uccidere la sua famiglia durante le purghe) e una Wonder Woman comunista. La psicologia di ogni personaggio non è mai lasciata al caso, ed è così che anche il neofita o la persona che mai ha toccato un fumetto in vita sua riesce ad apprezzare la raffinata opera di costruzione psicologica attuata dallo scrittore, tanto più che ogni legame con la continuity DC è annullato, benché le citazioni siano tante e spesso colte (comprese un paio dal sempreverde Watchmen di Alan Moore).

Tra un geniale Lex Luthor ossessionato da Superman e alla continua ricerca di un modo per sconfiggerlo e quest’ultimo che, partendo dal desiderio di fare del bene instaura un regime totalitario e controlla quasi l’intera umanità, Red Son è una lettura che mantiene col fiato sospeso, pur essendo ricca di dialoghi e non proprio velocissima, scritta in modo eccellente e impeccabile a livello grafico: Dave Johnson, infatti, coadiuvato da Killian Plunkett, con inchiostrature di Andrew Robinson e Walden Wong e i bellissimi colori di John Higgins (in copertina son nominati tutti, eh!) rende magnificamente l’atmosfera del tutto e grazie anche all’aiuto dei suoi preziosissimi collaboratori crea immagini spettacolari e dinamiche, e altre che volutamente rimandano all’arte propagandistica del ‘900.

Una lettura assolutamente obbligata per tutti i fan dell’Uomo d’Acciaio e anche per chi non l’ha mai sopportato, per gli amanti di Millar e del buon fumetto.
Peccato solo che non tutti possano goderne a causa della mancata pubblicazione italiana…

Superman: Red Son
Mark Millar, Dave Johnson
DC Comics
10.2 x 6.6 x 0.4 inches, paperback, 160 pages
$ 17,99

Auguri, Mr. Moore!

2007-05-15T14:20:00.000+01:00

Sono appena venuto a sapere, tramite il blog dell'amico Elvezio Sciallis, delle nozze del Grandissimo Alan Moore!

Spero solo che la sue nuove nozze non gli impediscano rapporti intimi con individui del suo stesso sesso (leggasi me)...

Ecco il link alla notizia su Malpertuis e tre foto del matrimonio!

http://mal-pertuis.blogspot.com/2007/05/le-nozze-alchemiche.html

Però, dovete ammetterlo, Moore è troppo sexy...

Si sarà capito che la mia ammirazione per Alan Moore sfocia nel carnale, evito quindi ulteriori commenti (coi quali rischierei di sembrar volgare) e rinnovo gli auguri allo Sciamano di Northampton!

Devo assolutamente stringergli la mano, prima o poi.

Quis custodiet ipsos custodes?

2007-05-07T21:54:00.002+01:00

Watchmen di Alan Moore e Dave Gibbons

Dimentichiamoci per un attimo di adattamenti cinematografici e roba del genere. Lo so, Snyder, dopo il grande successo di 300, sta accingendosi a girare l'adattamento per il grande schermo di Watchmen. Solo che la differenza tra le due opere non è proprio irrilevante... 300 è un fumetto di ottanta pagine con una forte componenete visiva e cinematografica che Snyder ha saputo rendere magnificamente su schermo, mentre Watchmen è un Fumetto di quasi cinquecento pagine ricco di particolari e sottigliezze filosofiche, tanto da necessitare di acuta riflessione e diverse riletture per essere apprezzato appieno... Watchmen è stato scritto come un fumetto per essere unicamente un fumetto:
"I shan't be going to see it. My book is a comic book. Not a movie, not a novel. A comic book. It's been made in a certain way, and designed to be read a certain way: in an armchair, nice and cozy next to a fire, with a steaming cup of coffee."
Questo il pensiero di Moore su un'eventuale riduzione cinematografica.
Ma non è di questo che voglio parlarvi. Voglio parlarvi di quello che considero una delle opere letterarie più belle e profonde che abbia mai letto, non dello schifo che uscirà fuori l'anno prossimo col suo stesso titolo. Voglio parlarvi del motivo per cui vedete quello smiley insanguinato in alto a destra ogni volta che entrate nel mio blog. Voglio parlarvi di Watchmen, scritto da Alan Moore e illustrato da Dave Gibbons.

Pubblicato per la prima volta dall’americana DC Comics (quella di Superman e Batman, per intenderci) negli anni ’80, quando ancora il sangue si gelava nelle vene degli uomini per la paura di un olocausto nucleare causato da Stati Uniti e URSS, questo fumetto registrò un numero di vendite a dir poco sbalorditivo per le dodici uscite seriali in edicola.
Scritto da uno dei più importanti (se non il più importante) autori di fumetti mai esistiti, l’inglese Alan Moore, e illustrato dall’ottimo Dave Gibbons, Watchmen è un’opera complessa, a più livelli di lettura; la trama, inizialmente potrebbe anche sembrare semplice:
Siamo negli anni ’80; Rorschach, l’unico supereroe (o vigilante, che dir si voglia) rimasto in attività dopo che questi sono stati dichiarati fuori legge, si mette sulle tracce di un presunto killer di ex-supereroi, chiamando in causa tutti i suoi vecchi compagni, per scoprire alfine una verità decisamente più agghiacciante…

Le prime tavole ti catapultano direttamente al centro degli avvenimenti: il Comico, uno dei principali supereroi, eroe della guerra in Vietnam, è stato ucciso, buttato giù dalla finestra del suo appartamento, agli ultimi piani di un grattacielo; la sua morte viene mostrata in vignette/flashback che si intervallano col presente della storia.
In pratica, Moore uccide uno dei protagonisti ancor prima di iniziare la narrazione degli avvenimenti: questo incipit sconvolgente è però solo la punta dell’iceberg (un iceberg davvero enorme) dell’opera che ha cambiato per sempre la concezione di fumetto.

Cosa che subito salta all’occhio è la cura certosina di Moore nel creare situazioni realistiche e personaggi umani e “veri”, con psicologie complesse e sfaccettate: anche quelli che inizialmente non destano interesse o risultano antipatici in qualche modo (Moore gioca spesso su questo tasto nei suoi fumetti), alla fine sembrerà di conoscerli e sarà impossibile odiarli, qualunque cosa pensino o facciano, perché anche le ragioni più assurde avranno un senso logico.
Personaggio cui ci si affeziona particolarmente, e paradossalmente, è quello con le cui parole prende il via il tutto, Rorschach (il nome è perché indossa una maschera che ricorda il test delle macchie di Rorschach, appunto), un pazzo, potremmo definirlo, con idee estremiste, che non esita a usare la violenza per raggiungere i propri scopi, ma guidato da un profondo senso di giustizia (come dimostrerà nel tragico finale) pur piegato al suo modo di pensare.

I dialoghi, i monologhi e i “ritagli” presi da giornali, libri, archivi, etc. presenti alla fine di ogni capitolo eccetto l'ultimo (tutti sono rigorosamente inventati ad hoc dallo stesso Moore) sono scritti e resi in modo perfetto, con un linguaggio a volte forse addirittura troppo elevato e particolare (difficoltosa risulta infatti la lettura in lingua originale se non la si conosce bene), ma che si imprime nella mente come un’incisione: nessuno scorderà mai il monologo di Rorschach sull’essere umano…

Il lirismo quasi poetico che contraddistingue da sempre l’opera “mooriana” è presente anche in questo suo fondamentale lavoro, in dosi mai eccessive; una vena di malinconico, romantico, commovente e quasi nostalgico lirismo pervade il fumetto, l’animo dei suoi protagonisti, come sicuramente quello dello stesso autore e, per proprietà transitiva, del lettore.
Watchmen è però opera basata anche (se non soprattutto) sulla minuziosa cura dei particolari, delle piccole cose: sono questi che lo rendono un fumetto, un libro tanto “imponente”, di lettura non certo facile e veloce, ma lenta e accurata, comunque capace di emozionare come poche opere possono fare.

Una lucida metafora della Guerra Fredda, un meraviglioso affresco dell’animo umano, un racconto appassionato e sconvolgente che smantella tutto ciò che è stato costruito in quasi mezzo secolo di fumetto supereroistico, chiamando in causa addirittura filosofi del calibro di F.W. Nietzsche.
Una lettura (cui far seguire possibilmente diverse riletture) assolutamente obbligata, per rendersi conto che anche il fumetto può essere “alto” come il romanzo e come ogni forma d’arte.

Capolavoro assoluto del fumetto mondiale, indimenticabile prova d’autore, impossibile leggerlo rimanendo impassibili.

“Non combattere contro i mostri
o diventerai tu stesso un mostro.
E se guardi a lungo nell’abisso
anche l’abisso guarderà dentro di te.”
Friedrich Wilhelm Nietzsche

American Gods

2007-03-23T16:30:00.000+01:00

di Neil Gaiman

Chiunque abbia mai seguito il mondo del fumetto sicuramente conoscerà, almeno per sentito dire, il nome di Neil Gaiman, indissolubilmente legato alla serie Sandman, la più celebre delle sue opere a fumetti; ma l’arte narrativa di Gaiman non si limita solo ai fumetti, bensì il nostro è anche un ottimo romanziere, e American Gods è un ottimo punto di partenza per iniziare a conoscere la grande fantasia e le straordinarie capacità narrative dello scrittore inglese.

Riporto la trama dalla seconda di copertina:
Appena uscito dopo tre anni di carcere, Shadow fa conoscenza con un enigmatico Mister Wednesday che gli offre di lavorare per lui. Rimasto senza risorse né famiglia, Shadow finisce per accettare. Ma ci metterà ancora qualche tempo per capire chi sia davvero il suo boss: Odino, la somma divinità del pantheon nordico, arrivato in America con una nave di vichinghi e che ora tira a campare come può. Come lo slavo Chernobog, ridotto a vivere della pensione maturata negli anni di lavoro al macello di Chicago, come l’africano Anansi, come la celtica Easter e la mediterranea Bilquis che batte i marciapiedi di Hollywood, come tutte le divinità maggiori o minori, dimenticate in un mondo che venera altri dèi, più belli e nuovi. È per muovere battaglia contro di loro che Wednesday ha arruolato Shadow, e per reclutare i compagni di lotta i due si metteranno on the road attraversando in lungo e in largo l’America più profonda. Fino al giorno della battaglia finale, uno scontro di proporzioni epiche per conquistare l’anima stessa dell’America.

American Gods è un genuino esempio di letteratura contemporanea di qualità (palese l’enorme mole di lavoro e ricerca che Gaiman ha dovuto fare per scriverlo), nonché di come le capacità di un artista del genere non si possano relegare alla sola letteratura disegnata: la prosa di Gaiman raggiunge apici di autentica raffinatezza e grande drammaticità, e dalla sua fantasia nascono situazioni, luoghi, personaggi difficili da dimenticare, realistici tanto che, finito il libro, sembra di averli sempre conosciuti. I molti personaggi presenti nel romanzo non sono un ostacolo né per il lettore né tanto meno per l’autore, che vi si destreggia con grande abilità e mai superficialmente, tratteggiando psicologie molto realistiche, operazione non molto semplice considerando che si ha a che fare con divinità e leggende di migliaia di anni fa.
L’opera, in più di cinquecento pagine, non rischia mai di annoiare il lettore, bensì lo lascia col fiato sospeso fino alle molteplici e davvero inaspettate rivelazioni finali.

Gaiman scrive un libro che emoziona chiunque sia disposto a lasciarsi andare alla sua immaginazione, un libro che scava in profondità nelle radici dell’America e dei popoli che via via vi sono sbarcati e hanno popolato il continente, dei loro riti e culti, dei loro dèi.
Un autore prettamente europeo e una storia prettamente americana (benché le divinità siano state “importate” da altri continenti), danno vita a un’opera complessa e completa dal punto di vista narrativo e stilistico, in cui niente è in realtà ciò che sembra (Gaiman stesso gioca con le parole e la propria lingua disseminando indizi lungo tutto il romanzo).
Una raffinata metafora delle religioni dell’Uomo.

"Dunque, sì, dicevamo, Gesù se la passa piuttosto bene da queste parti. Ma ho incontrato un tale che mi ha detto di averlo visto fare l’autostop in Afghanistan e nessuno si fermava a tirarlo su. Sai com’è, tutto dipende dal contesto."

American Gods
Neil Gaiman
Mondadori
523 pag., brossura
9 euri

Le mie scuse...

2007-03-23T16:21:00.000+01:00

Mi scuso con le persone che nelle ultime settimane hanno frequentato il blog senza vedere alcun aggiornamento: non posso pienamente giustificare questa mia condotta in realtà, ma non ho mai saputo gestire il mio tempo, quindi tra studio etc non mi sono destreggiato come avrei dovuto.

Cercherò di farmi perdonare pubblicando immediatamente la recensione di American Gods di Neil Gaiman, e ampliando, nei prossimi giorni, il Movies Database con recensioni già pubblicate altrove dopo averle revisionate e corrette ove necessario.

Mi scuso ancora e spero che i lettori aumentino con l'aumento degli articoli e del mio lavoro su questo blog.

Grazie a tutti e buona notte.

Figlio dell'Uomo

2007-02-19T18:37:00.000+01:00

John Constantine Hellblazer - Figlio dell’Uomo di Garth Ennis e John Higgins

Sembrava una serata monotona per John Constantine, vino in lattina e un romanzucolo da quattro soldi, quando Chas il tassista, l’unico amico ormai rimastogli, bussa alla porta: è sporco di sangue e ha una pistola in mano, e come se non bastasse la polizia lo sta inseguendo. Chas non lo sa, ma ha appena riportato nella vita di Constantine la minaccia della famiglia Cooper, la più potente famiglia mafiosa di Londra, nonché “incubo irrisolto dell’avventata giovinezza dell’occultista inglese”.

Grande ritorno per Garth Ennis sul fumetto che lo ha fatto conoscere a tutto il mondo: Hellblazer. L’autore irlandese, forte dell’ottimo lavoro svolto sul suo Preacher e della fama ormai internazionale, sforna uno dei cicli più grotteschi e cattivi del Bastardo Inglese, risparmiandosi (e risparmiandoci) poco e niente. Tra famiglie mafiose, demoni sodomiti dal membro lungo un metro che vogliono l’avvento del messia infernale sulla terra e neonati squartati, appesi e congelati, Ennis dà pieno sfogo alla sua vena violenta e grottesca in una storia che lascerà spiazzati i poco avvezzi al suo stile.

Ormai conscio delle sue capacità e grande conoscitore del medium di cui si avvale, lo scrittore amalgama abilmente tutti gli elementi che i suoi fan hanno imparato a conoscere e amare, facendoci scoprire, capitolo dopo capitolo, nuove atrocità e crudezze, fino ad arrivare al violentissimo finale (con tanto di demone super dotato che squarta un uomo col suo attrezzo). John Higgins, di cui Ennis si avvale per disegnare questo ciclo, è senza dubbio adatto a rendere graficamente i suoi deliri, con un tratto che a volte rasenta quasi il caricaturale ma che si mostra estremamente realistico e dettagliato durante le scene di splatter e violenze varie.
I dialoghi ricchi di humour nero, come Ennis ci ha abituati, non rischiano mai di diventare eccessivamente volgari e gratuiti e spesso strappano più di un sorriso dalle labbra del lettore che sappia apprezzare la tipica ironia che pervade da sempre questa serie, per non parlare poi di Constantine che si rivolge direttamente al lettore.

Come chiunque abbia mai letto almeno il primo volume scritto da Ennis per Hellblazer, Dangerous Habits, ormai dovrebbe ben sapere, Garth Ennis non è solo grottesco e violenza e blasfemia e crudeltà, ma spesso si lascia andare a momenti di lirismo estremamente toccanti, e anche qua, pur non raggiungendo le vette toccate col finale di Abitudini Pericolose, riesce a inserire un momento finale di riflessione nostalgica nei monologhi dell’occultista bastardo.

Per quel che riguarda l’edizione, la Magic Press si dimostra esemplare come sempre, presentandoci un ottimo volume a prezzo relativamente basso, contenente i numeri dal #129 al #133 della serie, ben curato anche dal punto di vista editoriale, con una minibiografia del protagonista che fa da introduzione e biografia di Garth Ennis a fine volume.

Ottimo acquisto per qualunque cultore di fumetti, dall’appassionato al lettore occasionale, in quanto non necessità di una grande conoscenza della continuity del personaggio.
Decisamente consigliato.

Hellblazer – Figlio dell’Uomo
Garth Ennis, John Higgins

Magic Press (DC/Vertigo)
17x26 cm, pag. 128, Brossurato a col.
10 euri

300

2007-02-16T17:37:00.000+01:00

300 di Frank Miller (colori di Lynn Varley)

480 a.C. I Persiani, guidati dal dio-re Serse, si dirigono verso la Grecia. La loro volontà è sottometterla, distruggere l’unica “isola di ragione e libertà in un mare di misticismo e tirannia”. Leonida, re degli Spartani, si vede impossibilitato ad andare con l’intero esercito a fronteggiare i Persiani, per cui si avvia con i soli 300 uomini della sua guardia del corpo verso il Passo delle Termopili, l’unico luogo in cui una manciata di soldati possa tener testa all’enorme esercito Persiano...

Dopo il grande successo, che ha rivoluzionato il fumetto, di Batman: Dark Knight Returns e dei precedenti trascorsi su DareDevil e molte altre importanti testate, oltre che il progetto Ronin, Miller decide di riscrivere uno dei più importanti episodi delle Guerre Persiane e della storia greca in generale: la Battaglia delle Termopili. Pur prendendosi alcune libertà (ma, diamine, è un fumetto, non un trattato di storia!), Miller ci riporta al 480 a.C., a fianco di un manipolo di Spartani pronti a tutto pur di avere la gloria e l’onore, pur di morire da veri soldati nel tentativo di salvare la patria.

Miller, pur non attenendovisi perfettamente per esigenze narrative, dimostra oltretutto una buona conoscenza della storia (anche con diverse citazioni all’interno del fumetto), nonché della tattica oplitica utilizzata dall’esercito di Sparta e dei valori spartani, ivi illustrati con grande accuratezza, e non si prende più libertà del necessario, come probabilmente avrebbero fatto altri “autori” un minimo più interessati alle vendite che alla sostanza: gli Spartani del fumetto sono molto vicini alla realtà storica, in pratica dei grandissimi figli di puttana; non vengono taciuti particolari come la mentalità chiusa tipica di Sparta, l’uso di gettare da una rupe i bambini deboli o deformi, il governo antidemocratico (“Non ve l’ho chiesto. La democrazia è per gli Ateniesi, ragazzo”, parole non difficili da immaginare pronunciate per davvero dal re Leonida).
I personaggi sono resi molto bene e senza banalizzazioni di sorta (su tutti spicca Leonida, benché figura già di per sé mitizzata dalla storiografia greca), anche se viene prestata poca attenzione alla psicologia e alle figure dei Persiani, che comunque restano del tutto trascurabili. I dialoghi sono realistici e mai esagerati o ridicoli, Miller, da grande autore quale è, sa di non dover calcare troppo la mano e cerca di attenersi quanto più possibile ai canoni dell’epoca.

I disegni, dello stesso autore, raggiungono un altissimo livello di ricercatezza grafica e raffinatezza accentuate ancora di più dagli splendidi acquerelli di Lynn Varley (moglie di Miller, la quale ha lavorato con lui anche in altre occasioni) e dalle tavole grandi il doppio di un normale fumetto (ogni pagina è infatti grande quanto due pagine di un fumetto americano normale), creando immagini davvero poetiche e suggestive e scene di battaglia rese al meglio.

Il sacrifico dei 300 Spartani al seguito di Leonida e del re stesso è, secondo Miller, un urlo, un richiamo per le altre poleis greche, affinché, mettendo da parte le divergenze, possano unirsi per annientare il nemico Persiano e il suo desiderio di dominio sul mondo; ciò che deve accomunare i Greci e unirli per fronteggiare il nemico è il desiderio di libertà, la speranza che un’era di ragione e di giustizia possa finalmente avere inizio.
”E tutti sapranno che trecento Spartani hanno esalato l’ultimo respiro per difenderla”.

300
Frank Miller, Lynn Varley
Magic Press (Dark Horse)
25 euri

From Hell

2007-02-12T20:12:00.000+01:00

Dall’Inferno, un melodramma in sedici parti, di Alan Moore ed Eddie Campbell

Dall’inferno
“Mr Lusk,
vi mando metà del rene
che ho tolto a una donna
L’altra metà me la sono arrostita
e mangiata
Una vera bontà
Vi potrei mandare pure il coltello con cui l’ho squartata
Basta che aspettate un pochettino
Prendetemi se ci riuscite,
Mister Lusk”
Jack

In realtà questa lettera, probabilmente l’unica autentica di Jack lo Squartatore, nel retrocopertina del meraviglioso volumone della Magic Press, potrebbe fuorviare il lettore: nello “Squartatore secondo Moore” Jack non perdeva tempo a mangiare reni... From Hell segue infatti l’ipotesi, in realtà plausibile, anche se lo stesso Alan Moore ha ammesso di averla scelta perché la più interessante, che Jack lo Squartatore fosse il medico di corte della regina Vittoria, Sir William Gull, inviato dalla stessa Regina per eliminare quattro prostitute colpevoli di essere venute a conoscenza di un importantissimo segreto, il matrimonio del principe Albert Victor, duca di Clarence, nipote di Vittoria, con una ragazza dell’East End, da cui ha anche avuto una figlia, segreto che potrebbe far crollare l’Impero Britannico.

Moore, ispirandosi all’ipotesi del Complotto Reale e della Massoneria, crea la più bella, documentata e complessa opera narrativa, letteraria o visiva, finora mai apparsa sui delitti di Whitechapel: frutto di accurate ricerche, From Hell è probabilmente l’opera di fantasia che più si avvicina alla realtà dei fatti. Naturalmente bisogna sempre ricordare che nulla può essere considerato per certo in questo caso e ciò che leggiamo nel fumetto deve assolutamente essere preso con le pinze, tanto più per il fatto che spesso l’ipotesi del Complotto Reale è stata smentita... ma le “coincidenze” restano comunque molte.
Sir William Withey Gull, medico di indiscussa bravura e importante massone, è un personaggio umano e complesso, mai stereotipato, un Jack the Ripper finalmente reso con tutti i crismi del caso e senza banalizzazioni, nonché attendibile in base alla realtà storica.
Reinterpretando la “leggenda” dello Squartatore, Moore le dà un significato mistico e simbolico, ricollegandola alla Massoneria, ai suoi simboli e ai suoi riti; Gull, fervente sostenitore del potere dell’uomo sulla donna, dell’apollineo sul dionisiaco, vede in realtà negli omicidi un rito che rinforzi l’egemonia maschile. Le speculazioni metafisiche non si limitano a questo ma rimandano anche al pamphlet di Howard Hinton “Che cos’è la Quarta Dimensione?” , nel quale Hinton teorizza che il tempo sia una dimensione spaziale e che tutti gli avvenimenti coesistano e solo la nostra percezione limitata ci faccia sembrare che il tempo scorra.

La Londra Vittoriana viene su queste pagine riportata con estrema accuratezza, la ricostruzione della città è dettagliatissima e il confronto delle condizioni di vita della gente del West e dell’East End è ricco di particolari e dà una certa idea di come si vivesse all’epoca (per esempio, la dieta delle prostitute comprendeva principalmente biscotti frantumati, che costavano meno di quelli interi, e gin...).
Per ricollegarmi alla ricostruzione visiva estremamente dettagliata di Londra, parlerò ora del tratto usato da Campbell per rendere la sceneggiatura di Moore: bisogna innanzitutto sapere che le sceneggiature di Moore sono le più dettagliate in assoluto per quel che riguarda il mondo del fumetto (una sceneggiatura di questo genere è molto diversa da una sceneggiatura cinematografica in ogni caso, e soprattutto più dettagliata), anche se egli resta sempre in contatto con il disegnatore di turno in modo tale da creare una certa simbiosi tra sceneggiatura e disegno, fondamentale per la buona riuscita del fumetto. Il tratto, molto cupo, di Campbell, a una prima e superficiale occhiata, potrebbe quasi sembrare grezzo, ma a una lettura più approfondita si noterà che mentre in alcune tavole diviene quasi stilizzato, in altre potrebbe sembrare fin troppo dettagliato (oltre che la ricostruzione di Londra sono da citare i cinque omicidi, in particolar modo l’ultimo). Una scelta stilistica che rende perfettamente una storia di questo genere.

Le soluzioni adottate da Moore per rendere la storia il più verosimilmente possibile hanno del geniale, e lo Sciamano di Northampton non perde la minima occasione per inserire personaggi importanti del mondo della scienza e della cultura (oltre che buona parte della famiglia reale) all’interno dell’opera, giusto per citarne qualcuno tra i più importanti potremmo dire Oscar Wilde, Joseph Merrick (L’Uomo Elefante), Aleister Crowley...
Tutti i personaggi, come ci ha abituato lo scrittore, hanno psicologie complesse e ben costruite (parlavo prima di quella di Gull), nessuna facile banalizzazione, e la violenza estrema dei delitti dello Squartatore non è mai fine a sé stessa, ma sempre funzionale ai fini della storia.

Completano il tutto due appendici, la prima esclusivamente scritta da Moore in cui lo stesso analizza il fumetto pagina per pagina citando fonti e spiegando ogni cosa appaia nel fumetto (indispensabile ai fini di una totale comprensione del testo), la seconda un’ironica indagine sui “Cacciatori di Polli” (“Gull-Catchers” in originale), osservati inizialmente da una certa distanza e poi dall’interno, grazie alla creazione di From Hell, dai due autori.

"It is beginning, Netley. Only just beginning. For better or worse, the twentieth century. I have delivered it." (Sir William Withey Gull)

From Hell
Alan Moore, Eddie Campbell
Magic Press
17x26 cm, pag. 576, brossurato, b/n
ISSN-ISBN: 88-7759-089-0
35,00 euri

My Own Private Idaho

2007-02-08T22:54:00.000+01:00

My Own Private Idaho, di Gus Van Sant, con Keanu Reeves e River Phoenix, 1991, USA, colore, 99’

Riporto quanto scritto dietro la bella confezione del DVD:
Ritratto di due ragazzi di vita. Che amano, si drogano, si prostituiscono. Mike (River Phoenix) è un narcolettico alla ricerca della madre, Scott (Keanu Reeves) ha scelto il marciapiede per ribellarsi al padre ricco e potente. Viaggiano senza una meta precisa, dall’Oregon a Seattle, dall’Idaho all’Italia. Nel loro peregrinare Scott s’innamora di una ragazza italiana e trova la forza di cambiare. Per Mike, la vita di strada continua...

Scommetto che, ora che avete letto la trama, state immaginando un film deprimente dai toni grigi e la fotografia cupa, tipico film di ragazzi interrotti... Ok, sfatiamo subito: My Own Private Idaho (proprio non riesco a capire perché diamine in Italia sia stato reso con l’orribile “Belli e Dannati”, titolo che, oltre che essere una cosa ridicola a livelli assurdi, può solo fuorviare lo spettatore) è un film dai toni accesi, fotografia che predilige l’arancione, un road movie non convenzionale con personaggi non convenzionali e idee registiche non convenzionali... non un film per tutti, indubbiamente, ma dotato di un discreto fascino e ben diretto.

Cosa intendo dire, dunque, con l’affermazione “questo film non è convenzionale”? Beh, potrei provare a usare altri aggettivi per definirlo, se volete: grottesco, o delirante. Un delirio di personaggi, storie, voci, musiche, colori, forse un po’ faticoso da reggere per chi non è disposto a provare nuovi visioni cinematografiche.
Van Sant dirige il tutto con piglio innovativo e dimostra grandi capacità registiche inserendo nel film personaggi e situazioni assurde senza rischiare mai di sembrare ridicolo agli occhi dello spettatore. Le idee interessanti in sede di regia sono molte, e memorabili la scena delle riviste porno/omosessuali con i due protagonisti in copertina che parlano tra loro e con gli altri modelli e soprattutto le due scene di sesso (un triangolo omosessuale e un rapporto etero) formate da inquadrature fisse che si succedono rapidamente di diverse posizioni sessuali in cui gli attori restano fermi.
Non so ad altri, ma a me è parso anche di notare svariati rimandi (si badi, rimandi, non citazioni) ad Arancia Meccanica di Kubrick, più precisamente nei titoli su schermate fisse di un unico colore a tinta unita e in qualche espressione di Phoenix all’inizio.

Altra cosa che non si immagina leggendo il retrocopertina del DVD è che My Own Private Idaho sia un film dalla forte componente omosessuale; mi spiego meglio: Mike e Scott si prostituiscono, sì, ma la gran parte dei loro clienti è di sesso maschile; Scott lo fa semplicemente per soldi e non prova alcun piacere, mentre Mike... Bob, poi, un ladro che Scott considera come il proprio “padre adottivo”, è innamorato del giovane (e in maniera nemmeno tanto discreta). Dunque non ci troviamo di fronte a un film per puritani e religiosi antiomosessuali di sorta.
La dolcezza, infine, della dichiarazione di Mike a Scott può mettere tranquillamente in dubbio anche l’etero più chiuso e convinto che il vero amore sia solo quello tra uomo e donna.

Ottime le interpretazioni di tutti gli attori e su tutte quelle dei due protagonisti, resi meravigliosamente dai due giovani attori. Le musiche e le canzoni belle e divertenti sottolineano l’atmosfera grottesca che pervade la pellicola.

Questa settimana nelle edicole italiane

2007-02-08T16:27:00.000+01:00

Visto che non vale la pena fare tremila brevissimi post diversi per ogni uscita in edicola, che sarebbe cosa alquanto fastidiosa per voi e per me, ho deciso di raggruppare le notizie sulle uscite più interessanti di questa settimana.

I Classici della Musica

Iniziamo con un'uscita allegata al Corriere della Sera, la seconda della collana, che riguarda il mio compositore preferito, tale Ludwig Van Beethoven.

Due CD e un volume monografico illustrato per commemorare uno dei più grandi compositori della storia: nel primo disco troviamo la Seconda e Ottava Sinfonia, spesso messe in secondo piano dalle più celebri Quinta, Sesta (Pastorale) e Nona; nel secondo i concerti per pianoforte Quarto e Quinto. Il tutto è eseguito dalla Orchester KlangVerwaltung e diretto da Enoch Zu Guttenberg.

9,90 euri più il prezzo del quotidiano.

I Nobel della Letteratura

Decimo volume per l'ottima collana del Corriere, questa volta tocca al tedesco Heinrich Böll, con un volume contentente il celeberrimo Opinioni di un Clown e E Non Disse Nemmeno Una Parola. Böll è uno dei più importanti autori del dopoguerra tedesco e vinse il Nobel nel 1972 "per i suoi scritti che, combinando un'ampia visuale sull'epoca e una grande sensibilità nella caratterizzazione, hanno contribuito al rinnovamento della letteratura tedesca".

9,90 euri più il prezzo del quotidiano.

I Grandi Maestri dell'Arte

Primo volume in uscita con Il Messaggero, Il Mattino, Nuovo Quotidiano di Puglia, Corriere Adriatico o Il Gazzettino a solo un euro per una collana che promette abbastanza bene, dedicato all'italiano Caravaggio. Pagine grandi e carta di buona fattura permettono una buona visione delle opere del Maestro, interessanti gli apparati critici e storici. Introduzione di Vittorio Sgarbi.

Per un euro, è da avere.

Continua inoltre con il Corriere la pubblicazione dell'opera completa di Valentina di Crepax (9,90 euri), esce il secondo volume di Tex a colori con la Repubblica (9,90 euri) e ho visto Blade in UMD in diverse edicole, per chi fosse interessato.

Vi invito ad avvisarmi via email nel caso vi fossero altre uscite interessanti, o anche di qualunque cosa, avvenimento, festival etc possa sembrarvi attenente agli argomenti trattati in questa sede.

Stay tuned!

Mutter

2007-02-06T19:12:00.000+01:00

Rammstein

Mutter

I berlinesi Rammstein sono il gruppo tedesco più famoso al mondo, oltre che quello che ha venduto più copie.
Beh, c'è da dire, però, che meritano appieno una tale fama, vuoi per il loro non prendersi mai troppo sul serio, vuoi perché sono uno dei più importanti gruppo Industrial di sempre, vuoi per i testi in cui rasentano l'arte poetica, vuoi per i loro concerti in cui uniscono in modo sapiente e mai gratuito musica, fuochi, luci ed effetti speciali in genere... insomma, son un gruppo con tutti gli attributi annessi. I loro concerti, come accennavo prima, sono unici nel proprio genere in quanto riescono a coniugare tutti gli elementi tipici di un grande evento senza mai esagerare in nulla e senza mettere mai la musica in secondo piano (chi ha visto un loro live sa che Feur Frei! dal vivo è inimmaginabile seza il fuoco e le esplosioni), come purtroppo invece rischiano di fare in molti (dalla regia mi suggeriscono "Slipknot"...). Non sono rare, poi, le scenette sul palco in cui il grosso cantante (Herr Till Lindemann) se la prende col povero tastierista magrolino e sfigato (Herr Flake), sodomizzandolo, cercando di cucinarlo e via dicendo...
Cinque album al seguito, mi accingo ora a recensire il loro terzo lavoro, quello della maturazione possiamo dire, nonché mio preferito.

Nun, liebe Kinder, gebt fein Acht
Ich bin die Stimme aus dem Kissen...
Inizia con questa ninna nanna un po’ particolare il disco da molti considerato il Capolavoro dei berlinesi Rammstein (Mein Herz Brennt è la canzone, Il Mio Cuore Brucia), per poi proseguire con un’evidente dichiarazione politica, contro coloro i quali avevano definito il gruppo teutonico come una banda di nazisti per i loro testi spesso estremi e i loro spettacoli, come dire, molto particolari, con frequenti allusioni sessuali (nemmeno tanto allusive): Links 2-3-4 (Sinistra 2-3-4). Ascoltiamo poi Sonne (Sole, che, come dovreste sapere, nelle lingue nordiche come il tedesco è femminile), che, pur non essendo un capolavoro, può contare su uno dei più bei video dei Rammstein, che rivisita la fiaba di Biancaneve. La politica Ich Will (Io Voglio, divenuta molto famosa grazie al live che circola sui canali specializzati) e Feur Frei! (Fuoco Libero!, che si presta davvero bene a un’esecuzione dal vivo, con esplosioni e fiamme) portano poi a Mutter (Madre), il primo, vero Capolavoro dell’album, una canzone sentita, dolce e amara, con un testo che, se non è poesia, è quanto di più possa avvicinarvisi: tipico dei Rammstein è creare immagini suggestive e commoventi (“keine Brust hat Milch geweint”: “nessun petto che piangeva latte”), prerogativa sulla quale torneremo anche in seguito. Segue poi Spieluhr (Carillon), la storia di un “piccolo uomo” che “desiderava solo di morire”, altro esempio di grande musica e dimostrazione delle capacità di parolieri di Till Lindemann e soci. Le sessuali Zwitter (Ermafrodita) e Rein Raus (Dentro Fuori), rappresentano la parte più dura del disco, chitarre aggressive e batteria distruttiva, senza scordare le geniali metafore (omo)sessuali (“Ich bin der Reiter/Du bist das Ross”: “Io sono il cavaliere/Tu sei il cavallo”) che rimandano addirittura a un sonetto del poeta italiano Cecco Angiolieri, in cui si riferiva a Dante Alighieri (“ch'i' son lo pugnerone, e tu se' 'l bue”). La penultima canzone, Adios (Addio), parla di una dose di eroina di troppo in modo alquanto nuovo e particolare, toccando vertici che con testi del genere mai si eran più visti né sognati dal tempo di Jim Morrison e dei suoi Doors. Chiude infine l’album una delle più belle canzoni del gruppo, a parere del recensore la migliore del disco insieme a quella che gli dà il nome: Nebel (Nebbia) parla di un amore che sta finendo, un amore che sta finendo perché lei sta per morire. La musica è dolce e la profonda voce di Till Lindemann rende pienamente giustizia alla poesia del testo e alle sue bellissime immagini (“Sie trägt den Abend in der Brust”: “Lei porta la sera nel suo petto”). L’ultima strofa è quanto di più triste e commovente si possa ascoltare in una canzone... “L’ultimo bacio fu tanto tempo fa / L’Ultimo bacio / lui non se lo ricorda più”.
“Der letzte Kuss ist so lang her
der letzte Kuss
er erinnert sich nicht mehr”

Nosferatu: Il Principe della Notte

2007-02-05T18:50:00.000+01:00

Titolo originale: Nosferatu: Phantom der Nacht
Regia: Werner Herzog
Uscita: 1979
Attori: Klaus Kinski, Isabelle Adjani, Bruno Ganz, Roland Topor, Walter Ladengast
Durata: 103’
Nazione: Germania
Reperibilità: RHV DVD
Censura: Nessuna

Jonathan Harker viene incaricato di recarsi in Transilvania, tra i Carpazi, per incontrare il conte Dracula, che vuole comprare delle proprietà a Wismar, nella sua città. Dopo un lungo ed estenuante viaggio Harker giunge al castello del Conte, non prima di essere stato messo in guardia dagli abitanti del posto e dagli zingari sugli orrori che si nascondono in quel luogo. Ma è troppo tardi quando Harker scopre la verità, ovvero che il Conte Dracula altri non è che Nosferatu, il non-morto, e quest’ ultimo è già in viaggio per Wismar, con tanto di casse di terra piene di ratti, portatori di peste, e ha come vittima prediletta la bellissima Lucy, moglie di Jonathan…

Questo non è un remake del film di Murnau, niente affatto. Al massimo potremmo parlare di rivisitazione. Mentre Murnau nel suo “Nosferatu, eine Symphonie des Grauens” introduceva il vampiro come elemento estraneo alla normale vita cittadina e all’ipocrita realtà borghese, e lo utilizzava dunque come mezzo di critica verso la crudele borghesia cittadina, il “Duca” Werner fa del Conte Dracula, nel suo “Phantom der Nacht”, l’emblema della solitudine umana, riflessa nei sofferenti occhi di Klaus Kinski. Herzog naturalmente si lascia andare a diverse citazioni del film di Murnau, senza scadere mai, però, in un manierismo fine a sé stesso: Herzog è un grande ammiratore dell’opera di Murnau, come da lui stesso affermato, e lo omaggia tanto da riportare nel suo film scene pressoché identiche alla pellicola del ’22.

Herzog è uno dei più grandi registi europei… uno dei più grandi registi di sempre, e lo dimostra ampiamente, in questo suo diciottesimo film, dirigendolo con grande maestria, prediligendo come sempre la camera a mano e creando una bellissima atmosfera gotica e vintage, tra paesaggi selvaggi, castelli in rovina e strade buie e deserte. Le geniali idee registiche si sprecano, da citare l’invasione dei topi a Wismar, le file di bare e la reazione dei cittadini dopo la diffusione della peste, senza contare le corse del conte Dracula di notte nella città deserta, e il finale, a dir poco geniale. Le bellissime musiche mettono in ballo anche autori come Wagner e si sposano in modo perfetto con le immagini e la fotografia oscura e molto curata, ottimi i giochi di luce. La regia di Herzog ha un ché di poetico.

Le magnifiche interpretazioni sono una parte fondamentale della bellezza dell’opera: riuscireste a immaginarvi questo film senza l’espressività di Kinski, la bellezza dell’Adjani, la bravura di Ganz? Gli attori sono perfetti, tutti, sembrano nati per prendere parte a questo magnifico esempio di Cinema. Klaus Kinski, che ha sempre avuto un complicato rapporto di amicizia con Werner Herzog, è senza ombra di dubbio il miglior Dracula mai apparso su schermo (l’unico che può rivaleggiare con lo Schreck del Nosferatu di Murnau). Magnifica la bellissima (e mai pallida come in questo film) Isabelle Adjani, la perfetta vittima sacrificale, coi suoi profondi occhi azzurri, e perfetto Ganz nei panni di un insolito Jonathan Harker, che diventa più pallido mano a mano che il film prosegue…

La pellicola, pur rientrando nel genere Horror non è classificabile appieno come tale: “Nosferatu: Phantom der Nacht” prende la storia di Dracula e la piega, la stravolge, tramutandosi così in opera drammatica, incentrata sulla solitudine dell’animo umano… “Chi dice la morte è crudele sono solo gli inconsapevoli. Ma la morte non è che un taglio netto. E’ molto più crudele non essere capaci di morire.” è questo che dice Dracula a Lucy, chiedendole di unirsi a lui, di diventare sua alleata, “la mancanza di amore è la più crudele e abietta delle pene.” Ogni sguardo del Conte, ogni sguardo di Kinski, è una pugnalata al cuore, la solitudine che forse accomuna l’attore al personaggio da lui interpretato (e che a sua volta accomuna tutti gli uomini) è riflessa nel suo sguardo malinconico. Non è Nosferatu il cattivo, non c’è un cattivo. Solo un uomo, o un non-più-uomo, solo e senza amore, alla ricerca della salvazione.

"Il tempo è un abisso profondo quanto mille notti. I secoli vanno e vengono. E' terribile non poter invecchiare. La morte non è la cosa peggiore, ci sono cose più orribili della morte. Può immaginare di sopportare i secoli vivendo ogni giorno le stesse futili cose?"

Perché "Overlook"?

2007-02-05T17:21:00.000+01:00

to overlook: guardare (dall'alto); dare su, dominare. The castle overlooks the town: il castello domina la città.

Dunque, perché, appunto, "Overlook"? E adesso vi sorbirete la spiegazione pseudo-intellettualoide quando potrei benissimo scrivere che è perché mi piace Shining e il mio pseudonimo è Jack Torrance...

Questo spazio nasce con l'idea di diventare un contenitore di notizie, articoli, curiosità, tutto rigorosamente opera del sottoscritto, sul mondo del Cinema, della Musica, della Letteratura, su quello dei Fumetti, insomma, uno sguardo, un'"overlookata" sulla cultura e l'arte in genere.
"Rubo" l'idea all'amico (ormai io tendo a considerarlo tale) Elvezio Sciallis, di cui tutti dovete visitare assolutamente il blog e leggere, oltre che gli ottimi articoli, qualche meraviglioso racconto.
Tenterò di aggiornare quanto più mi è possibile e "inaugurerò" il blog con la recensione di "Nosferatu: Phantom Der Nacht" di Werner Herzog, già presente su HorrorBlood.com.
I prossimi post saranno possibilmente "inediti" e nei primi tempi tenterò di aggiornare almeno due o tre volte a settimana, nella speranza di riuscire presto ad aumentare la frequenza degli aggiornamenti.

Vi ringrazio per il tempo speso a leggere e che (spero) continuerete a spendere in futuro su questo blog.